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Archives 1999
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BAALA SAMBA
>> Portes ouvertes aux
ateliers d'Arts Plastiques de la Ville
>> DJALALI "M. SAHAR"
>>FRANCOIS RETALI
>>BERNARD MORLON
>> RENEE
BOSSAERT & IMRE KUN
>>
JEAN-LEONARD STOSKOPF & PHILIPPE GUESDON
>> MICHEL CAVANNA
BAALA
SAMBA
Exposition du 5 juin au 4 juillet 1999
Qu’est-ce qui vous
a amené à proposer une exposition à la Galerie d’Art
?
La configuration de ce lieu me permet de mettre en forme
une nouvelle recherche.
De quoi s’agit-il ?
Mon parcours autour de l’image m’a conduit
à reconsidérer l’instant, c’est pourquoi je présente
une projection de diapositives redimensionnées, ce qui marque
une nouvelle séquence dans ma recherche plastique.
Vous présentez aussi des toiles, quels matériaux
utilisez-vous ?
De la toile de jute, du tissu, des pigments, mais aussi
des composants électroniques et même du sable...
Quel lien entre tous ces éléments ?
De la colle !
Mais plus sérieusement ?
Les accessoires, plutôt que les matériaux, me servent
à jouer de l’ambiguïté entre l’aléa de la palette
graphique et l’aléa cybernétique. La technologie transfigure
l’homme moderne, je m’efforce d’utiliser
les restes de cette technologie au profit d’une nouvelle
palette.
Vous êtes originaire de la Guadeloupe, votre peinture
retrace-t-elle cette identité ?
En effet, l’inspiration caraïbe est essentielle
dans le travail que je présente mais, à travers cette exposition,
je me suis attaché à explorer les rapports entre la technologie
et la civilisation.
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Photo :
Christian Géber "Pixel Phot"
Photo :
Christian Géber "Pixel Phot"
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LES PORTES OUVERTES
AUX ATELIERS D'ARTS PLASTIQUES DE LA VILLE
Exposition du 7 au 30 mai 1999
| Les ateliers d’arts
plastiques des MJC En
avril, les ateliers d'art plastique des M.J.C nous offraient
un parcours d’expositions – dessins, peintures et
sculptures – au cours duquel le public a pu découvrir
de nouveaux travaux et apprécier la qualité d’investissement
créatif développé dans chacun de ces lieux.
La dispersion géographique
imposée à cet événement par les différents lieux d’implantation
des structures a permis aux visiteurs d’évoluer dans
des univers d’études variés, rigoureux et
sensibles.
L’œil, confronté
à la diversité des expressions et des techniques, cherchait
insensiblement à définir un détail comme pour reconnaître
l’esprit du travail exposé.Du 7 au 30 mai, la Galerie
d’Art vous invitait à poser un regard sur quelques œuvres
issues des ateliers autour d'un accrochage collectif, soucieux
de présenter l'esprit de recherche, qui présidait à l’ensemble
de la manifestation.
Galerie d’Art :
10, avenue François-Mitterrand
Tél. : 01.49.56.13.10. |
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DJALALI
"M.SAHAR"
Exposition du 20 mars au 18 avril 1999
Du 20 mars au 18 avril, la Galerie d’Art exposait
les peintures et dessins de cet artiste, dont les
talents sont multiples. Né dans un village au cœur
de l’Iran, il fait des études de théâtre à la
faculté des Beaux-Arts de Téhéran avant de s’installer
en France, en 1978. Il approfondit alors l’étude
de la calligraphie et s’inscrit en sociologie
à l’université de Paris-X.
Parallèlement, il étudiait le chant persan (le sitar)
pendant sept ans et participe à l’écriture de
revues et périodiques persans publiés en France...
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Photo : Christian Géber "Pixel
Phot" |
La poésie, la musique, le
théâtre, l’art traditionnel persan – l’enluminure
et l’ornement – l’amènent naturellement
à trouver son propre langage pictural. Sa passion pour
la nature et ses éléments lui offre une traversée poétique
vers l’art visuel. Son style n’est pas sans
rappeler les écritures archaïques.
Djalali Sahar, au travers de son travail, crée un univers
de l’intérieur, résurgences oniriques peuplées de
personnages venus de civilisations oubliées et défiant
le temps et la forme. Son écriture est vive, lyrique et
semble n’appartenir qu’au mouvement lui-même.
FRANCOIS RETALI
Exposition du 13 février au 14 mars 1999
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François
Retali. Lumière Mémoire, c’est le
titre de cette exposition, qui s'est déroulée du
13 février au 14 mars 1999, à la Galerie d’Art.
Quels types de
matériaux choisissez-vous pour vos travaux ?
J’utilise principalement les matériaux
morts, enterrés, usés par le temps. Ce sont des
matières inertes et sans fonction… Les objets
que je récupère ne sont pas nobles, mais ils comportent,
en chacun d’eux, une histoire et une couleur
qui les font presque revenir à leur état originel.
Où trouvez-vous
ces "objets" ?
Les lieux de démolition restent des terrains
de recherche privilégiés, mais la campagne et, notamment,
la Corse d’où je suis originaire, me procurent
des matières qui ont lentement mûri. Mais je dois
dire que je déplore que notre environnement hygiéniste
et policé n’offre plus de lieux de récupération.
Quel est l’apport
de la lumière dans vos compositions ?
La lumière me sert à associer mes matériaux.
Je crée des liens lumineux, c’est une forme
de réanimation artificielle ! Je combine des éléments
solides, rugueux, palpables avec la lumière du gaz
néon qui, par définition, est impalpable.
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Photo :
Christian Géber "Pixel Phot" |
Cherchez-vous des formes particulières
?
Non. C’est vraiment l’association et la
vie des matériaux qui m’intéressent. En revanche, je
tiens à reconstituer l’équilibre de la forme. La lumière
que j’évoquais m’aide à organiser la composition
des œuvres.
Quelle est votre couleur
préférée?
Le bleu – bleu cristal comme la matière du
tube néon – reste ma couleur dominante. Il offre
la meilleure association avec la couleur sourde des matériaux
usés.
BERNARD
MORLON
Exposition du 9 janvier 1999 au 7 février 1999
Bernard
Morlon.
Cet artiste-peintre
était à l’honneur à la Galerie d’Art de
Créteil. Une exposition proposée en partenariat
avec Dynacom, association des élèves inscrits en
BTS Action commerciale du lycée Saint-Exupéry.
D’où vient
ce souci du détail et cet intérêt pour les
papillons ?
Mon premier métier était peintre en lettres,
cela exige précision et rigueur. Aujourd’hui,
je suis dans une phase de maturité qui me pousse
à reproduire ces insectes le plus strictement pour
les maîtriser. Qu’y-a-t-il de plus beau qu’un
papillon ?
Pourquoi ces mises en abyme ?
Grâce à la sculpture, je me suis rendu compte
que je pouvais donner du volume à une matière plane.
Ces profondeurs m’ont permis de rendre mes
toiles plus vivantes.
Vous êtes également
décorateur de théâtre ?
En effet, j’ai réalisé pour Jacques Noèl, le
décor du Christ pour L’Idiot de Dostoïevski,
actuellement à l’affiche au Théâtre 14 Jean-Marie-Serreau
à Paris. Néanmoins, je préférerais me consacrer
entièrement à ma peinture. |
Photo :
Christian Géber "Pixel Phot"
Photo :
Christian Géber "Pixel Phot"
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SCULPTURE
Renée BOSSAERT &
Imre KUN
Exposition du 11 septembre au 10 octobre 1999
PPhoto
:
Christian Géber
"Pixel Phot" |
Renée
BOSSAERT
En trente ans de pratique
de la sulpture, j'ai exploité cinq thèmes, leur trait
d'union, étant le mouvement
:- Le manège : personnages baroques en mouvement
- La perspective et le double : architectures construites
en perspectives, en deux exemplaires, dont une se
modifiant avec le temps grâce à une fermentation.
- Waterlilly ou défense : fleurs de terre cuite posées
dans un bassin d'où coulait un filet d'eau.
- Les ailes introduisant l'idée d'élévation, de mouvement
vers le haut, de légèreté et d'envoi.
- Les porteurs d'eau : eau de source de vie, substance
sacrée, amenant l'idée de circulation et d'effort.
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Photo :
Christian Géber
"Pixel Phot" |
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| Imre
KUN
L'idée directrice
de mes sculptures est la tension, la pureté, la lumière et
la transparence.
L'utilisation
de l'altuglas et du cristal me permet de saisir la force invisible
de la lumière, de la capter et de la renvoyer sous forme de
spectre. Selon l'intensité de la lumière, le spectre lumineux
apparaît dans la matière puis se projette dans l'espace, créant
ainsi un faisceau lumineux semblable à un arc en ciel.
Ma fonderie me permet d'allier transparence et fonte en bronze,
associant le lourd et le léger, le liquide et le solide, le
tellurique et l'aérien.
Mon expérience me permet de
réaliser de petites sculptures, logos, trophées, de jouer
sur des échelles très différentes, du miniature au monumental.
Telle la réalisation d'une sculpture de 18 mètres de longueur
suspendue dans l'espace et enfin la réalisation de plusieurs
grands bas-reliefs en bronze (jusqu'à 14 mètres de hauteur
et pesant environ 4 tonnes), telle la porte du ministère des
Finances avec Jeaoclos (7 mètres sur 7)
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" L’ECRITURE
COMME DIFFERENCE "
Jean-Léonard STOSKOPF & Philippe GUESDON
Exposition
du 16 Octobre au 14 Novembre
Ce titre qui paraît dépasser le
domaine des arts plastiques nous a pourtant permis de réunir
J.L Stoskopf et P.Guesdon dans un même lieu.
Le sculpteur et le peintre apparemment si différents nous
font chacun à leur manière visiter un parcours de sèves
et de bois ,de veines et d’empreintes, qui donnent
corps à une œuvre dont le sujet promettait d’être
abstrait voire absent .
Iroko, Okoumé et les autres côtoient papiers plissés ou
lins tressés ,ils s’érigent en totem, se font " effigies "
comme pour accéder aux paroles qui manquent à leur nature.
A partir de bois équarris parvenus au seuil de l’utilitaire,
JL Stoskopf reconstitue l’équilibre, la rondeur des
peaux scarifiées, témoignant de l’appartenance à une
lignée.
Avec du tissu trempé, enduit, froissé, additionné de couleurs
et de poudres de métaux , le peintre compose une nouvelle
alchimie.
P.Guedon nous guide sur les traces gravées dans les bois
de Dürer , et il enveloppe l’allégorie de nouveaux
" tissages ". J.L Stoskopf organise
les signes ,inscrit sa ponctuation, s’inspire des nervures
du matériaux, ensemble ils nous invitent à lire les caractères
d’une écriture différente.
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Photo :
Christian Géber "Pixel Phot" |
Photo :
Christian Géber "Pixel Phot" |
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Michèle
CAVANNA
Exposition du 20 novembre au 18 décembre
Michèle Cavanna veille
à entretenir l’ambiguïté entre photographie et peinture,
soucieuse de n’être jamais reconnue dans l’une ou
l’autre des disciplines, elle installe un art de laboratoire
fait de cibachromes et de pinceaux pour mieux organiser la
désarticulation de l’espace et du temps.
Les figures qui surgissent de ses travaux nous paraissent
se maintenir par des moyens provisoires et extérieurs, l’espace
mis en scène est fait d’éléments à la fois liquides et
aériens.
Ce n’est qu’à un état second, plus définitif, qu’apparaît
l’architecture et l’aménagement intérieur, permettant
au tableau de trouver le rapport de position que comporte
l’œuvre achevée.
L’intervalle est disposé dans la composition de telle
manière que la forme tient son équilibre même si elle doit
recourir pour cela au triptyque qui fonctionne comme un ordre
ou l’artiste est bien le sujet du tableau, sa substance
et son maître, son serviteur et son thème.
Pour Michèle Cavanna le tableau est lui aussi le sujet de
l’artiste, elle nous en propose l’exposition à travers
une œuvre qui se déploie et s’ouvre en se représentant.
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